(Foto oben – georgianischer Säulenschreibtisch, Mahagoni-Schreibtisch, Büro) Ein Säulenschreibtisch, auch Tankwagenschreibtisch genannt, ist ein freistehender, breiter, flacher Schreibtisch mit ebener Arbeitsfläche. Anstelle von Beinen wird es von zwei kleinen Stapeln von Schubladen oder Sockeln gehalten. Die Basis ist normalerweise nichts anderes als ein Sockel. In den meisten Fällen hat ein Säulenschreibtisch eine große zentrale Schublade direkt über den Knien und Beinen des Benutzers.
Im 19. Jahrhundert gab es Zeiten, in denen der Schreibtisch vorne eine Bescheidenheitsplatte hatte. Das sollte die Knie und Beine des Benutzers vor denen verbergen, die davor stehen oder sitzen. Wenn es auf diese Weise hergestellt wird, würde es ein Panel-Schreibtisch genannt werden. Einige alte Schreibtische mit einer solchen Platte werden auch Knielochtische genannt. Die Benutzer stellten die Zähler vor der Verwendung an die Wände.
Ab Mitte des 17. Jahrhunderts hatte der Sockelschreibtisch oben eine Einlage aus einer Lederplatte. Manchmal hatte es einen blindgeprägten Rand oder einen aus reinem Gold. Anstelle von Leder hatten einige die Schreibfläche aus Filz. Wo die Oberfläche aus Holz war, hatte der Schreibtisch eine einziehbare, ausgekleidete Schreibschublade. Der Auszug wurde manchmal zu einer Bücherstütze reduziert.
(Foto oben – Viktorianischer Säulenschreibtisch – Mahagoni um 1860)
In England erschienen die ersten Säulenschreibtische im 18. Jahrhundert. Sie gewannen jedoch erst in den beiden folgenden Jahrhunderten an Popularität. Mit der Zeit wurden sie als Sekretär dem Schreibtisch vorgezogen. Deshalb treten sie in großer Zahl auf. Vor der Popularisierung des Säulenschreibtisches in England waren Varianten in China und Frankreich aufgetaucht.
Was die chinesische Variante betrifft, so hat kein Europäer jemals den physischen Schreibtisch gesehen. Sie wussten nur von den Zeichnungen auf importierten Porzellanstücken. Im eigentlichen Sinne können die frühen Formen aus China und Frankreich nicht als Stehpulte bezeichnet werden. Sie hatten nicht den vollen Schubladenstapel, was das Hauptmerkmal ist. Einige Säulentische wurden zu einer quadratischen Schreibfläche verdoppelt. Auf beiden Seiten wurden Schubladen angebracht, damit der Schreibtisch zwei Personen gleichzeitig Platz bietet. In diesem Fall können Sie es einen Partnertisch nennen. Die Doppelsäulenschreibtische waren ein fester Bestandteil in Bibliotheken. In einigen seiner Zeichnungen offenbart Thomas Chippendale die Entwürfe für solche Schreibtische.
(Foto oben – Antiker Schreibtisch mit Sockel – Viktorianischer Schreibtisch 1860) Später in der Mitte des 20. Jahrhunderts tauchten Schreibtische mit Sockel
aus Stahlmetall auf . Die meisten davon waren bis in die 1970er Jahre über den Atlantik in den USA verbreitet. Sie waren beliebt in Unternehmen, Behörden und Schulen. Bei einigen Varianten der Säulentische wurde einer der Säulen durch Beine ersetzt. Je nachdem, wo sich der Schreibtisch befindet, kann er als linker oder rechter Schreibtisch bezeichnet werden. Meistens dient es als Schülerschreibtisch.
Sie können einen Säulenschreibtisch kaufen , um ihn in Ihrem Büro oder zu Hause zu verwenden. Schließlich wurde es für Schreibzwecke entwickelt. Wenn es sich um eine Antiquität handelt, kann es eine praktische Ergänzung zur Inneneinrichtung Ihres Hauses sein. Besuchen Sie noch heute unseren Shop für die wichtigsten Optionen für Säulenschreibtische.
Ein Breakfront-Bücherregal ist ein Schrank, dessen Mittelteil weiter hervorsteht als die beiden anderen Seiten. Der Stil entstand erstmals im 18. Jahrhundert während der georgianischen Ära. Breakfront-Bücherregale wurden hauptsächlich aus Mahagoni hergestellt. Berühmte Designer wie Chippendale sollen hinter diesem Stil gestanden haben.
Alte Schränke waren in der Regel massiv groß. Sie wurden im Allgemeinen in den Häusern zivilisierter Personen gefunden. In den meisten Fällen waren die Bücherregale zwischen Sockel und Giebel meist verglast. Die dafür verwendeten Glasscheiben waren quadratisch.
Zu den weiteren Standardmerkmalen gehörten Schwanenhalsgiebel über der verglasten Vordertür. Um es noch einmal zu wiederholen, die Breakfront bezieht sich auf den mittleren Teil, der vom Rest des Gehäuses leicht nach vorne zu treten scheint. Große antike Bücherregale würden dieses Element in ihrem Design niemals vermissen.
Einige Schränke hatten ihre Giebel in Form von gebrochenen Bögen mit einer Urne in der Mitte. Die Breakfront hatte vier Türen. In anderen Fällen wies der Boden eine Reihe getäfelter Türen auf. Der obere Teil war wahrscheinlich auch mit Schubladen und Regalen ausgestattet. Anstelle von Regalen waren einige darunter sogar mit Schränken ausgestattet.
Allerdings waren Breakfront-Bücherregale nicht immer massiv. Es gibt einige aus der viktorianischen Ära, die so hoch wie ein Sideboard waren. Die Türen waren wie bei ihren großformatigen Pendants verglast. Diejenigen, die im Empire-Stil hergestellt wurden, waren hauptsächlich Mahagonistücke. Unten wurden die Schranktüren geschnitzt. Zum Beispiel gibt es eine mit vier verglasten Türen direkt über diesem Boden.
Mitte des 19. Jahrhunderts hat sich der Regency-Stil auf der ganzen Welt etabliert. Die in dieser Zeit entworfenen Schränke sind so elegant, wie Sie es erwarten würden. Es war nicht ungewöhnlich, Bücherregale mit Bruchfronten und Zahngesimsen über den verglasten Türen zu finden. Sie verfügten auch über eine verschiebbare Schreibfläche und einen Schrank mit vier Türen.
(Foto oben – Regency Sheraton Breakfront-Bücherregal mit Mahagoni-Einlage)
Im 20. Jahrhundert gab es eine leichte Veränderung des Breakfront-Bücherregals . Über den vier Schranktüren war Platz für Akten und Schreibwaren. Der Schrank verfügte auch über verstellbare Regale. Eine andere Form, die im 20. Jahrhundert auftauchte, war ein Bücherregal, das hauptsächlich aus Walnussholz bestand. Es hatte astragal verglaste Türen und stand etwas höher als ein Sideboard
. Kurz gesagt, Breakfront-Bücherregale wurden je nach Designer und Zeitraum in verschiedenen Stilen hergestellt. Einige waren Schränke in voller Größe, während andere Sideboards waren, bei denen die Bruchfront üblich blieb. Weitere Merkmale sind verstellbare Einlegeböden, verglaste Türen und Schranktüren. Es waren hochfunktionelle Möbelstücke, die auch dekorativen Zwecken dienten.
(Foto oben – Antikes Bücherregal mit Bruchfront, Eiche, um 1840) Wenn Sie nach einem Bücherregal mit Bruchfront
suchen , müssen Sie vorher genau definieren, was Sie wollen. Zum Glück haben wir alle Arten von Schränken in unserem Shop, Sie haben die Qual der Wahl. Ab dem 18. Jahrhundert, als die Bücherregale in den Vordergrund traten, bis in die Gegenwart, werden Sie zweifellos etwas finden, das zu Ihnen passt. Unsere Preise sind wettbewerbsfähig. Darüber hinaus bieten wir den besten Kundenservice, den Sie überall finden können. Wenn Sie ein Sammler sind, werden Sie auf jeden Fall für mehr zurückkommen.
(Foto oben – Große Bronzetiere von Canonbury Antiques)
Einige der beliebtesten Formen von Bronzestatuen sind Tierformen. Einige existieren in Form von Figuren, während andere lebensgroße Tiere sind. Große Bronzetiere werden von Einzelpersonen bevorzugt, die sie in ihren Höfen aufstellen möchten. Das Gute an diesen Statuen ist, dass sie trotz Witterungseinflüssen viele Jahre halten. Die besten Bronzen werden von meisterhaften Künstlern mit fundierten Kenntnissen ihres Handwerks entworfen und hergestellt. Wenn sie gut gemacht sind, können sie als Dekoration sowohl innerhalb als auch außerhalb von Häusern verwendet werden. Ein guter Künstler weiß immer, wie man auch auf neuen Bronzen die perfekte Patina hinzufügt. Man könnte meinen, die Bronze sei jahrelang den Elementen ausgesetzt gewesen.
Welches sind die beliebtesten Tiere?
(Fotos oben – Paar lebensgroße Bronzelöwen – Medici-Katzen-Casting) Dem Namen nach sind große Bronzetiere genau das – Tiere. Zu den beliebtesten Tieren gehören Büffel, Hirsche, Hunde, Delfine, Adler, Elche, Reiher, Widder, Schildkröten, Wildkatzen, Wölfe und so weiter. Bei lebensgroßen Tieren haben Sie so etwas wie die reale Situation. Angesichts der guten Alterungsfähigkeit von Bronze sehen die Skulpturen mit der Zeit besser aus. Sie können sie verwenden, um Denkmäler oder einfache Kritiker für Passanten zu schaffen. Viele Menschen machen Selfies mit einem bronzenen Tier.
Wo man ein bronzenes Tier platziert
(Foto oben – riesige bronzene Pferde- und Jockey-Statue – 2,7 m / 9 Fuß hohe lebensgroße Pferde)
Um es noch einmal zu wiederholen: Bronze wird immer schöner, wenn sie den Elementen ausgesetzt wird. Zu den Elementen, die Bronze am stärksten beeinflussen, gehören Wärme, Licht und Feuchtigkeit. Wenn sie im Garten platziert werden, werden große Bronzetiere mit der Zeit immer attraktiver.
Es ist jedoch nicht nur der Garten, in dem Sie eine Bronzeskulptur aufstellen können. Auf dem Feld platziert, wird es alle Passanten mit seiner Eleganz anziehen. Umgebungen, in denen dies möglich ist, umfassen Schulen, Colleges und Universitäten. Jeder, der Ihre Schule besucht oder besucht, wird etwas zu erzählen haben, wenn er oder sie die Schule verlässt.
(Foto oben – Paar große Bronzegiraffen – Tierstatuen Gartenguss)
Egal wo Sie sie platzieren, eine Bronzeskulptur fügt sich perfekt in den Rest der Umgebung ein. Es ist einzigartig fotogen mit seiner Fähigkeit, die kleinsten Ausdrücke in den Bronzetieren hervorzuheben. Kein anderes Material zur Herstellung von Skulpturen sticht so heraus.
Große Bronzetiere zum Verkauf
(Foto oben – Paar große bronzene Löwenstatuen – Medici Gatekeeper Lions)
Wenn Sie ein großes Bronzetier suchen , können Sie es in Bezug auf frisch gegossene Skulpturen oder Antiquitäten finden. Sie müssen uns nur das gewünschte Tier nennen und wir stellen es Ihnen zur Verfügung. Wir zeigen Skulpturen berühmter Künstler, darunter die Franzosen PJ Mene, Barye und Bonheur. In unserem Antiquitäten-Showroom finden Sie die besten ihrer architektonischen Skulpturen.
Aber Sie müssen sich nicht auf eine fertige Bronzeskulptur beschränken. Wenn Sie eine Idee haben, an der ein Künstler arbeiten soll, zögern Sie nicht, sie zu stellen. Wir sind hier, um Ihnen den bestmöglichen Service zu bieten. Sie können unsere langjährige Erfahrung nutzen, um ein Kunstwerk zu finden, das Ihren Raum enorm verändern wird. Wir sind nicht hier, um Ihre Erwartungen zu erfüllen, sondern um sie zu übertreffen.
(Foto oben – Chesterfield Sofa) Ein Chesterfield-Sofa kann eine großartige Ergänzung für Ihre Wohnkultur sein. Es ist mit einem aufrechten Rücken und hohen Armen gestaltet. Dieser Sofatyp ist nach dem Earl of Chesterfield benannt, der ihn im 18. Jahrhundert in Auftrag gab. Er wollte eine Couch haben, auf der ein Gentleman sitzen kann, ohne sich Sorgen zu machen, dass sein Anzug zerknittert. Obwohl der Stil 300 Jahre alt ist, ist er immer noch eine beliebte Ergänzung in Häusern auf der ganzen Welt.
Die Sofas sind in der Regel mit dunkelbraunem Leder bezogen. In Bezug auf das Design hat die Couch hohe Armlehnen und getuftete Details auf dem Lederrücken. Es wurde zuerst in aristokratischen Geschäften, vornehmen Geschäften und Gentlemen’s Clubs verwendet. Heutzutage findet man ihn in Haushalten auf der ganzen Welt.
Was ist ein Chesterfield-Sofa?
(Foto oben – Chesterfield-Ledersofa – Antikes Sofa mit tiefen Knöpfen)
Sie können ein Chesterfield-Sofa anhand dessen definieren, was Ihnen als erstes auffällt. Einfach ausgedrückt ist ein Chesterfield-Sofa eine massive Couch mit geschwungenen Armlehnen auf gleicher Höhe wie die Rückenlehne. Ursprünglich war das Sofa mit einem dunkelbraunen Lederbezug ausgestattet. Es hat auch einen Nagelkopfbesatz und eine komplizierte Knopfleiste. Heute könnte die Couch aus anderen Polsterarten wie Samt und so weiter hergestellt werden. Die Beine können höher stehen als zuvor mit schlankeren Armen und Rücken.
Geschichte des Chesterfield-Sofas
Um es noch einmal zu wiederholen: Der Stuhl wurde erstmals Mitte des 18. Jahrhunderts vom Earl of Chesterfield, Lord Philip Stanhope, in Auftrag gegeben. Seit dem ersten Möbelstück, das damals hergestellt wurde, hat der Stil an Popularität gewonnen, und es sind verschiedene Variationen entstanden.
Lord Stanhope war ein kluger Politiker und Schriftsteller. In vielerlei Hinsicht war er ein Trendsetter. Er war nicht zufrieden mit den Dingen, wie sie waren. Sein Bestreben, eine Gentleman-Ausstrahlung zu bewahren, veranlasste ihn, nach einem Stuhl zu fragen, auf dem er aufrecht sitzen und vermeiden konnte, seinen Anzug zu zerknittern.
(Foto oben – viktorianisches Chesterfield-Sofa mit tiefen Knöpfen) Der Legende nach bat Lord Stanhope auf seinem Sterbebett seinen Butler, seinem Patensohn einen Stuhl zu geben. Der Name des Patensohns war Dayrolles. Nachdem Mr. Dayrolles den Prototyp des Chesterfield- Stuhls erhalten hatte, machte er ihn populär, indem er ihn seinen Hausgästen vorführte. Mit der Zeit wuchs die Popularität des Sofas mit Nachbildungen, die in ganz England auftauchten. Zu einem internationalen Phänomen wurde der Stuhl jedoch erst während der Regierungszeit von Queen Victoria – man legte mehr Wert auf Komfort.
Im 19. Jahrhundert wurden die ersten Spiralfedern bei Sofas verwendet, um sie bequemer zu machen. Die meisten Stühle hatten eine Füllung aus Rosshaar, die zum Zähmen mit Knöpfen getuftet werden musste. Das Chesterfield-Sofa war weiterhin mit Leder oder Samt bezogen.
Von Anfang an war das Sofa ein Symbol für luxuriöses, komfortables Wohnen. Es wurde schnell von der englischen Aristokratie, Unternehmen und Hausbesitzern übernommen. Das Chesterfield-Sofa war so beliebt, dass die englische Mittelschicht es nicht mehr übersehen konnte. Das gilt heute genauso wie damals. Die Couch ist so klassisch, dass sie auch heute noch sehr gefragt ist. Kein anderer Stuhl verdient es, als zeitloser Klassiker bezeichnet zu werden. Die Designs können sich ändern, aber der Stil bleibt derselbe.
Eine versilberte Monteith-Punschschale ist im Grunde ein Gefäß, dessen Zweck es ist, Weingläser zu kühlen. Es verfügt über charakteristische gekerbte Ränder mit abnehmbarem oder festem Kragen. Es kann auch eine Reihe von nach außen gebogenen oder vertikalen Jakobsmuscheln haben, die das Aufhängen von Weinbechern an ihren Füßen ermöglichen. Die Schüssel wird dann in Eiswasser getaucht, um sie abzukühlen. Der Name Monteith ist nach einem modischen Gentleman benannt, dessen Name Monteith oder Monteigh war. Er war bekannt für seine Liebe zu einem überbackenen Mantel. Er spielte vielleicht keine direkte Rolle bei der Herstellung der Schale, aber seine Popularität als Sänger und sein unkonventioneller Umhang brachten ihm die Ehre ein. Eine Monteith Bowleschüssel kann verwendet werden, um hohe Gläser, Punschkellen und Zitronensiebe zu halten.
(Foto oben – Paar versilberte Monteith-Punschschalen – Champagner-Weinkühler)
Der Ursprung der versilberten Monteith-Schale liegt vermutlich im Jahr 1680. Ihre ursprüngliche Verwendung bestand darin, Weingläser frisch zu halten. Die Schüssel wurde mit Eiswasser gefüllt, um die Temperatur so niedrig wie möglich zu halten. Es war ein ständiger Bestandteil bei Veranstaltungen der High Society, einschließlich Abendessen und Buffets. Mit dem abnehmbaren Kragen gewann die Monteith-Schüssel andere Verwendungszwecke. Die Basis würde zum Kühlen von Gläsern verwendet, während der abnehmbare Rand zum Servieren von Wein nützlich wäre.
Abgeleitet vom hinduistischen „panch“ für „fünf“, bestand das Wort „Punsch“ ursprünglich aus fünf Hauptzutaten – Zitrone, Gewürze, Spirituosen, Zucker, Tee und Wasser. Andere haben jedoch gesagt, dass das Wort „punch“ möglicherweise von einem alten englischen Wort „puncheon“ – einem 72-Gallonen-Fass – stammt. Angeschnitten könnte aus dem Puncheon schnell eine Punschschale werden. Um 1650 trank man in England den ersten Punsch. In den folgenden Jahren wurde die Punschschale wegen ihrer Rolle beim Servieren von Punsch immer beliebter. Aufgrund der Beliebtheit des Getränks entstanden um 1690 mehrere Punschstuben. In spezialisierten Lokalen trank man Punsch, ob kalt oder heiß. Mitte des 17. Jahrhunderts hatte der Punsch die Engländer so sehr durchdrungen, dass viele Menschen zu regelrechten Trinkern wurden. Die Regierung war gezwungen, alle Formen des Spirituosenkonsums zu verbieten.
(Foto oben – antike silberne Monteith-Schale im Queen-Anne-Stil)
Traditionell wurde die Monteith-Bowleschale aus Silber hergestellt. Mit der Zeit übernahmen die Menschen Materialien wie Messing, Kupfer, Glas, Zinn, Porzellan und Töpferwaren. Ihre Popularität hielt zwischen 1680 und 1725 an. Danach wurden die Schalen nur noch auf Sonderbestellung oder für besondere Anlässe hergestellt.
Als es zum ersten Mal auftauchte, zeigten Monteith-Schalen chinesische Ornamente. Sie verfügten über einen festen Rand und eine Chinoiserie-Jagd. Viele illustrierte chinesische Zivilisationen. Später wiesen Monteith- Schalen Lobel-Paneele mit spiralförmigen Rillen auf. Es wird angenommen, dass dieser Stil von der Familie Van Vianven kopiert wurde, die ihn zu dieser Zeit zur Herstellung von niederländischem Silber verwendete.
(Foto oben – Paar versilberte Punschschalen mit Hirschen)
Zu Beginn des 18. Jahrhunderts waren die Schalen mit ovalen Lobelplatten versehen. Bald waren die Schalen total geriffelt. Die neuen Schalen zeigten zentrale Kartuschen mit Wappenverzierungen. Eine weitere Neuerung war der abnehmbare Kragen. Die Silberstücke waren aufwendig verziert und entfernten sich von reinen Gebrauchsgefäßen.
(Foto oben – Art-Deco-Statuen – von Canonbury Antiques)
Eine der besten Möglichkeiten, Ihr Zuhause zu dekorieren, ist die Verwendung von Art-Deco-Statuen . Art Deco ist ein Stil, der sich durch Glamour auszeichnet. Es entstand zwischen dem Ersten Weltkrieg und dem Zweiten Weltkrieg. Die Technik wurde in allen Designelementen wie Architektur, Möbeln usw. verwendet. Die Skulpturen, die in dieser besonderen Zeit hergestellt wurden, waren jedoch auch charakteristisch stilvoll.
Art-Deco-Stil
(Foto oben – Art-Deco-Statue Biba Tischlampe)
Die Vielfalt der Art-Deco-Artikel ist so groß, wie Sie es erwarten würden. Es hängt alles vom Künstler hinter einer bestimmten Statue ab. Aus diesem Grund werden Sie erhebliche Unterschiede in Inhalt und Stil feststellen. Der Hauptgrund ist, dass Art Deco in einer Zeit entstand, in der es eine schnelle Entwicklung gab. Der Übergang zwischen klassischer handgefertigter Schönheit und maschinell gefertigten Stücken vollzog sich sehr schnell.
(Foto oben – Art Deco Eternal Friends by Chiparus-Statue)
Trotz dieser Unterschiede bleiben bestimmte Merkmale während der gesamten Art Deco-Ära gleich. Sie sollten also glamourösere Statuen erwarten. Obwohl sie zur klassischen Skulptur tendierten, hatten die Statuen fließende Linien. In einigen Fällen wurden die Statuen auf einem Sockel montiert. Ein weiteres Merkmal, das Sie nicht verpassen werden, sind die aufwändigen geometrischen Themen und Funktionen. Diese werden erstellt, um mit viel weicheren Linien zu kontrastieren.
Die meisten Menschen sind verwirrt von den vielen Unterschieden bei Art-Deco-Artikeln. Für sie ist es schwer, Ähnlichkeiten zwischen den beiden verschiedenen Statuenteilen zu erkennen. Es ist jedoch einfach, wenn Sie wissen, wonach Sie suchen müssen. Es spielt keine Rolle, wer der Designer und Schöpfer eines bestimmten Kunstwerks ist. Das Folgende sind die charakteristischen Merkmale von Art-Deco-Statuen .
1. Kräftige Farben.
(Foto oben – Art Deco Fan Dancer Statue von Chiparus)
Art Deco ist alles andere als blendend. Es stützte sich jedoch auf den Kontrast zwischen auffälligen Farben und anderen Tönen. Das Ergebnis war ein Kunstwerk, das man nicht einfach ignorieren konnte. Ein gutes Beispiel ist ein Kunstwerk mit neutralen Schwarz-Weiß-Farben. Bei einer solchen Statue ist der Kontrast so klar wie Tag und Nacht.
2. Metallic-Oberflächen oder -Komponenten
(Foto oben – Art Deco Lampe Clarte Biba)
Während dieser Zeit gewannen Maschinen eine zentrale Rolle in allen Aspekten des Lebens. Die Leute würden also Maschinen und einige ihrer Teile in alle Arten von Designs einbeziehen. Das ist der Grund für das Vorhandensein von metallischen Oberflächen auf einigen der Art-Deco-Statuen.
3. Spiegel
(Foto oben – Artistocrats by Poerzel, klassische Art-Deco-Statue)
Es ist nicht ungewöhnlich, Art-Deco-Statuen mit charakteristisch einzigartigen Spiegeloberflächen zu finden. Der Zweck war es, es glamouröser zu machen. Bei Art déco gilt: Je spannender, desto besser.
4. Gemischte Medien
(Foto oben – Antinea von Chiparus Art-Deco-Figur)
Die ganze Idee hinter dem Art-Deco war, so viel Drama und Aufmerksamkeit wie möglich zu erzeugen. Künstler würden sich also bemühen, verschiedene Materialien zu kombinieren und verschiedene Medien zu mischen. So konnten sie visuell faszinierende Kunstwerke schaffen.
Suchen Sie nach einer Möglichkeit, ein langweiliges Esszimmer in etwas Klassisches und Elegantes zu verwandeln? Es ist Zeit, einen silbernen Teller surtout de table zu kaufen. Auch wenn dieser Tafelaufsatz im 18. und 19. Jahrhundert beliebt war, ist er immer noch ein Grundnahrungsmittel in den modernen Esszimmern von heute.
(Foto oben – zwei Konfigurationen auf dieser silbernen Tischplatte)
Wir sprechen nicht von den einfachen Tabletts, die den Weg für diese Tafelaufsätze bereiteten, sondern von der eleganten, vergoldeten Art, die in Form einer langen Galerie erscheint. Ein Surtout-Tisch soll es Ihnen ermöglichen, verschiedene Arten von Objekten gleichzeitig anzuzeigen. Es ist möglicherweise kein einzelnes Stück, sondern kann aus mehreren Stücken zusammengesetzt sein, je nachdem, wie lang der Tisch war.
Was ist ein Surtout De Table?
(Foto oben – Silver Plate Surtout de Table)
Ein Surtout de Table ist der französische Name eines Mittelstücks, das auf formellen Esstischen ausgestellt ist. Es verfügt über viele Kandelaber und mehrere verspiegelte Plateaus. Es gibt noch andere Ausstellungsstücke, die einen Surtout de Table zu einem Muss für alle machen, die Gäste beim Abendessen beeindrucken möchten. Es wird normalerweise aus vergoldeten oder Edelmetallen hergestellt, weshalb sie in der Regel viel Geld kosten.
Wie hat sich der Surtout De Table im Laufe der Jahre entwickelt?
Der erste Surtout zum Tisch wurde verwendet, um das Hochzeitsbankett von Francoise Marie de Bourbon, Tochter von Louis XIV und Phillipe II, dem Herzog von Orleans, zu dekorieren. Es war das Jahr 1692, kurz vor der Jahrhundertwende. Der erste Surtout de Table hatte nichts Großartiges, da es sich um ein einfaches Mittelstück handelte, das Kerzen und Gewürze enthalten sollte. Es könnte auch Salz und Essig enthalten, um ein Verschütten auf den Tisch zu verhindern, das das Holz beschädigen könnte.
Bald kam das 18. Jahrhundert und die Menschen schätzten einen Tafelaufsatz, der nichts anderes als ein großer Salzstreuer war, nicht mehr. Damals bevorzugte man kleinere eigenständige Salzstreuer. Die Mittelstücke wurden nicht mehr verwendet, um Zucker zu halten. In dieser Zeit wurde der Surtout de Table eher dekorativ als funktional.
(Foto oben – Silberplatte Epergne)
Es war eher ein erhöhtes Tablett mit Galerien zur Präsentation von Vasen, Figuren, Kandelabern, Epergnes und feststehenden Kerzenleuchtern. Obwohl die meisten dieser Stücke aus Edel- oder vergoldeten Metallen hergestellt wurden, waren einige Glas- und Porzellanangelegenheiten. Ein Spiegel wurde verwendet, um den Surtout de Table oben abzudecken. Durch den Spiegel konnte man die Unterseite der ausgestellten Objekte sehen. Je nachdem, was man sich leisten konnte, war es möglich, ein äußerst extravagantes Stück zu machen. Mit der Zeit wurden Surtout de Tables für bestimmte Häuser in Auftrag gegeben, darunter Regimentskasinos, Stadtpaläste und Jagdhütten. Mittelstücke für jedes dieser Häuser würden verschiedene Arten von Figuren haben, basierend auf dem Thema, das die Hersteller ansprachen. Zum Beispiel hätte ein Surtout-Tisch in einer Regimentsmesse militärische Themenfiguren.
Während Surtout de Tables zuvor von Hand gefertigt wurden, machten Porzellanfabriken, die ab den 1850er Jahren entstanden, diese Artikel der Masse zugänglich. Wundern Sie sich nicht, wenn Sie heute Stücke aus dieser Zeit in den Antiquitätenläden finden.
(Foto oben – Twiggy sitzt im Rainbow Room, umgeben von Biba-Lampen) Moden ändern sich, die Zeit vergeht, einige Trends kommen zurück, andere Dinge kommen dauerhaft aus der Mode, um nie wieder zurückzukehren. Ich liebe es, in der Geschichte Londons zu graben und Dinge aus der fernen – und nicht so fernen – Vergangenheit auszugraben, die inzwischen verschwunden sind, während ich mit unserer „Lost London“-Reihe fortfahre. Eine meiner neueren Lieblingsentdeckungen ist die Geschichte des einflussreichen Biba Stores aus den 1960er Jahren, der es geschafft hat, die Essenz der Londoner Swinging Sixties zu verkörpern und eine Ästhetik zu haben, die stark an die 1920er Jahre angelehnt ist. Daher ist es eine Konvergenz von zwei meiner Lieblingssachen, wenn die Roaring Twenties mit den Swinging Sixties verschmelzen.
(Foto oben – Das Biba-Logo – klassische Art-Deco-Schriftarten und -Design)
Biba war ursprünglich ein Londoner Modegeschäft in den 1960er und 1970er Jahren, das von der in Polen geborenen Modedesignerin Barbara Hulanicki gegründet wurde. Das erste Geschäft befand sich in der Abingdon Road in Kensington, London, und wurde 1964 eröffnet. Biba war eigentlich der Spitzname von Hulanickis jüngerer Schwester Biruta. Die Marke war sofort ein Erfolg, vielleicht unterstützt durch die Tatsache, dass Hulanickis Ehemann Stephen Fitz-Simon Werbefachmann war und daher Marketing verstand und wusste, wie man das richtige Publikum erreicht.
(Foto oben – Biba – verkörpert London Swinging Sixties perfekt) Nach den Anfängen im Versandhandel und dem Umzug in die Abingdon Road folgte als nächster Schritt der Umzug in das Kaufhaus Derry & Toms an der Kensington High Street in dem großen Art-déco-Gebäude, in dem sich auch die Kensington Roof Gardens befinden. Es wurde dann als Big Biba bekannt. Im selben Gebäude befand sich auch das Kaufhaus Barkers, das 1926 eröffnet wurde.
(Foto oben – Das Dach des Rainbow Room – jetzt ein Fitnessstudio. Die New York Dolls spielten hier Anfang der 70er Jahre)
Wenn Sie sich einige der alten Fotos des Innenraums von Big Biba ansehen, können Sie die Art-Deco-Themen im Design erkennen, die an das Goldene Zeitalter Hollywoods erinnern. Das Geschäft war bekannt für unkonventionelle Ausstellungen wie einen riesigen Snoopy in der Kinderabteilung, außerdem gab es eine große Biba Food-Halle. Um das Ganze abzurunden, war das Rainbow Restaurant im fünften Stock des Kaufhauses, das zu einem wichtigen Treffpunkt für Rockstars und andere Spieler der 60er Jahre wurde. Mit all diesen Innovationen und Designs wurde Biba als „Theater der Mode“ bekannt. Nochmals, wenn man sich die Fotos ansieht und ein Gefühl für das Outlet bekommt, sieht es wie ein früher und sehr erfolgreicher Versuch des Multimedia-Branding aus und kann als solcher seiner Zeit weit voraus sein. Es gab sogar einen speziellen „Logo Shop“, wo man Biba-Spielkarten, Streichholzschachteln und Malbücher kaufen konnte.
(Foto oben – Stoppt die Presse – Biba hat es auf die Titelseite geschafft!)
Wenn ich mir die Fotos einiger Innenräume des Biba Stores ansehe, denke ich: „Wo sind all diese Einrichtungsgegenstände gelandet? Sie wären jetzt ein Vermögen wert?«Die Art-Deco-Sofas, Wandleuchten, verspiegelten Beistelltische, Ladeneinrichtungen und andere architektonische Köstlichkeiten sehen alle fantastisch aus. Ein Foto sticht wirklich ins Auge und zeigt das Model Twiggy – vielleicht das prägende Gesicht des London der 60er Jahre – auf einem Sofa im Rainbow Room sitzend, umgeben von Art-déco-Tischlampen. Twiggy selbst ist in klassischer Art-déco-Mode gekleidet, während sie träge eine lange Zigarette raucht. Dies ist wirklich ein großer Teil dessen, woher meine Faszination für diese Zeit und diesen Ort kommt, da wir diese Biba-Lampen regelmäßig auf Lager haben und verkaufen, und ich kann mir vorstellen, dass es genau dieses Foto ist, von dem sie ihren Namen haben. Das ursprüngliche Design der Lampe stammt vom Art-Deco-Bildhauer Max Leverrier, der in den 1920er Jahren in Paris arbeitete, und es ist dieses Design, das die perfekte ästhetische Brücke von den 1920er zu den 1960er Jahren zu bieten scheint. Beide scheinen eine sehr ähnliche Version der idealisierten weiblichen Form zu teilen – groß, geschmeidig, athletisch, typischerweise leicht bekleidet, ein kosmopolitischer Großstädter, der von Party zu Party flitzt, eine 1960er-Version des Flappers. Als wir anfingen, diese Art-déco-Statuen zu finden, wurde mir gesagt, dass es „Biba-Lampen“ seien, und ich interessierte mich für die Eytemologie des Ausdrucks, da ich nicht wusste, dass das Biba-Ideal in den 1920er Jahren existierte. Wenn ich das Foto mit Twiggy sehe, kann ich sehen, wie der Name entstanden ist. Tatsächlich gibt es zwischen den 1920er und 1960er Jahren viele Gegenströmungen; der schnelle gesellschaftliche Wandel, die Auswirkungen neuer Technologien, die Unabhängigkeit von Frauen, das Aufkommen von Jugendkultur und -musik und ein allgemeiner Wohlfühlfaktor mit einem Hauch von Hedonismus. Beide schienen lustige Zeiten zu sein. ein kosmopolitischer Großstädter, der von Party zu Party flitzt, eine 1960er-Version des Flappers. Als wir anfingen, diese Art-déco-Statuen zu finden, wurde mir gesagt, dass es „Biba-Lampen“ seien, und ich interessierte mich für die Eytemologie des Ausdrucks, da ich nicht wusste, dass das Biba-Ideal in den 1920er Jahren existierte. Wenn ich das Foto mit Twiggy sehe, kann ich sehen, wie der Name entstanden ist. Tatsächlich gibt es zwischen den 1920er und 1960er Jahren viele Gegenströmungen; der schnelle gesellschaftliche Wandel, die Auswirkungen neuer Technologien, die Unabhängigkeit von Frauen, das Aufkommen von Jugendkultur und -musik und ein allgemeiner Wohlfühlfaktor mit einem Hauch von Hedonismus. Beide schienen lustige Zeiten zu sein. ein kosmopolitischer Großstädter, der von Party zu Party flitzt, eine 1960er-Version des Flappers. Als wir anfingen, diese Art-déco-Statuen zu finden, wurde mir gesagt, dass es „Biba-Lampen“ seien, und ich interessierte mich für die Eytemologie des Ausdrucks, da ich nicht wusste, dass das Biba-Ideal in den 1920er Jahren existierte. Wenn ich das Foto mit Twiggy sehe, kann ich sehen, wie der Name entstanden ist. Tatsächlich gibt es zwischen den 1920er und 1960er Jahren viele Gegenströmungen; der schnelle gesellschaftliche Wandel, die Auswirkungen neuer Technologien, die Unabhängigkeit von Frauen, das Aufkommen von Jugendkultur und -musik und ein allgemeiner Wohlfühlfaktor mit einem Hauch von Hedonismus. Beide schienen lustige Zeiten zu sein. und ich interessierte mich für die Eytemologie des Ausdrucks, da ich nicht wusste, dass es das Biba-Ideal in den 1920er Jahren gab. Wenn ich das Foto mit Twiggy sehe, kann ich sehen, wie der Name entstanden ist. Tatsächlich gibt es zwischen den 1920er und 1960er Jahren viele Gegenströmungen; der schnelle gesellschaftliche Wandel, die Auswirkungen neuer Technologien, die Unabhängigkeit von Frauen, das Aufkommen von Jugendkultur und -musik und ein allgemeiner Wohlfühlfaktor mit einem Hauch von Hedonismus. Beide schienen lustige Zeiten zu sein. und ich interessierte mich für die Eytemologie des Ausdrucks, da ich nicht wusste, dass es das Biba-Ideal in den 1920er Jahren gab. Wenn ich das Foto mit Twiggy sehe, kann ich sehen, wie der Name entstanden ist. Tatsächlich gibt es zwischen den 1920er und 1960er Jahren viele Gegenströmungen; der schnelle gesellschaftliche Wandel, die Auswirkungen neuer Technologien, die Unabhängigkeit von Frauen, das Aufkommen von Jugendkultur und -musik und ein allgemeiner Wohlfühlfaktor mit einem Hauch von Hedonismus. Beide schienen lustige Zeiten zu sein. das Aufblühen von Jugendkultur und -musik und ein allgemeiner Wohlfühlfaktor mit einem Hauch von Hedonismus. Beide schienen lustige Zeiten zu sein. das Aufblühen von Jugendkultur und -musik und ein allgemeiner Wohlfühlfaktor mit einem Hauch von Hedonismus. Beide schienen lustige Zeiten zu sein.
(Foto oben – Besitzen Sie Ihre eigene Art-Deco-Biba-Lampe – auch bekannt als Clarte ) Die 1960er Jahre gelten als eine progressive Zeit großer Veränderungen in Musik, Mode, Kultur und sozialen Sitten. Das Aufkommen von Psychedelika veränderte die Wahrnehmung der Menschen und führte ein neues Paradigma ein, insbesondere in Bezug auf Musik – denken Sie an Sergeant Pepper von den Beatles, Jimi Hendrix und das gesamte Genre des Psychedelic Rock, wo – um von Jim Morrison über die Poesie von William Blake zu entlehnen – die Türen der Wahrnehmung wurden wirklich und wahrhaftig geöffnet. Ähnlich wie mit dem Aufkommen der Pille für Frauen wurde eine neue Ära der sexuellen Befreiung eingeläutet. Allen Berichten zufolge tauchte Großbritannien zwei Jahrzehnte nach den 1940er Jahren endlich aus den Schatten des Zweiten Weltkriegs auf, als sich die Wirtschaft – und damit die Kaufkraft junger Menschen – dramatisch verbesserte, was die Entstehung und den anschließenden Boom des Teen Market und die Entstehung von ermöglichte Jugendkultur. Wir können den 60ern für Hippies, Hipster der ersten Generation, The Beats, Rocker, Mods und Teddy Boys danken, um nur einige zu nennen. Jugendliche hatten mehr verfügbares Einkommen und wollten es für Musik, Mode und Ausgehen ausgeben. Mit dem Vorteil einer rosa getönten Brille sah es wirklich nach einer großartigen Zeit aus, um am Leben zu sein. All dieser Optimismus hat mehrere Innovationen angeheizt und der Biba Store scheint eine gute Manifestation davon zu sein.
(Foto oben – Biba-Mädchen – passt mir dieses Kleid?)
In Bezug auf die Mode gelang es den Biba-Designs auch, all das zu verkörpern, was in den 1960er Jahren „cool und groovy“ war, während sie sich stark an die 1920er Jahre anlehnten. Der Look von Miniröcken, Kurzhaarfrisuren und Plateauschuhen – denken Sie an Jane Fonda in Barbarella oder Sandie Shaw, die „Puppet On A String“ singt – ist das Symbol der weiblichen Mode der 1960er Jahre. Wenn Sie sich auch das Biba-Artwork ansehen – Speisekarten, das Logo selbst usw. – ist die gesamte Typografie die klassische eckige Art-Deco-Aviator-Schriftart. Wenn ich nur eine Zeitkapsel finden könnte, die mich in die 1960er Jahre zurückversetzt, damit ich im Biba-Laden herumstöbern könnte, während ich mit meiner Kamera knipse, würde das Internet mit den Inhalten verschmelzen und ich wäre ein glücklicher Mann.
(Foto oben – Art-Deco-Sofa im Regenbogenzimmer)
(Foto oben – Twiggy raucht auf dem Sofa – Flapper der 1960er Jahre)
(Foto oben – Biba-Preisschilder – und weitere Art-Deco-Referenzen)
(Foto oben – 1920er trifft 1960er. Glückseligkeit war es, in dieser Morgendämmerung am Leben zu sein..)
(Foto oben – klassisches Biba-Kleid)
(Foto oben – Auch der Standort des Kaufhauses Barkers, der Höhepunkt der Deko-Architektur)
(Foto oben – Die Warhol-Suppendose in der Lebensmittelhalle)
(Foto oben – Londoner Biba-Mädchen)
(Foto oben – Klassische Biba-Lampe – auch bekannt als Art-Deco-Enigme, ursprünglich von Max Leverrier)
(Foto oben – Art-Deco-Figuren – große Auswahl von Canonbury Antiques)
1903 gründeten Koloman Moser und Josef Hoffmann eine Werkstatt, die elegante Innenarchitektur förderte. Sie hatten ihren Sitz in Wien, obwohl ihr Stil hauptsächlich vom Jugendstil aus England und Schottland beeinflusst war. Die beiden Innenarchitekten wussten nicht, dass sie damit den Grundstein für den Art déco-Stil legten. 1925 kamen die Früchte mit einer Präsentation aller Arten von Designgegenständen in einer Pariser Ausstellung zum Tragen.
Art Deco ist ein umfassender Stil, der auf Möbel, Architektur, Kunst und Skulptur angewendet wurde. Apropos Skulptur, Künstler haben sich hauptsächlich darauf konzentriert, Statuen und Figuren zu schaffen. In den meisten Fällen zeigen Art-Deco-Figuren elegante Tänzerinnen. Sie zeigten die schlanke Weiblichkeit von Tänzerinnen mit einem Höchstmaß an Sinnlichkeit. Die Figuren stellen die Tänzerinnen in unterschiedlichen Positionen dar – einige nackt, andere gut gekleidet. Selten würden Sie Art-Deco-Figuren finden, die gewöhnliche Frauen darstellen?
Künstler verwendeten verschiedene Materialien, um Art-Deco-Figuren herzustellen . So gibt es Figuren aus Bronze, Marmor und Porzellan. Während die meisten Künstler darauf achteten, dass die Tänzer die ursprünglichen Farben der Materialien beibehielten, ließen andere sie bemalen. Aber es endete nicht dort. Einige Figuren wurden durch Glas, Gold oder Perlmutt noch weiter akzentuiert.
(Foto oben – Art-Deco-Figur – Maskentänzer von Joe Descomps)
Die unterschiedlichen Materialien wurden jedoch nicht gleichermaßen geliebt. Deshalb scheinen Bronzefiguren beliebter zu sein als der Rest. Wo Bronze verwendet wurde, würde die Figur auf einem Marmorsockel stehen. Wir haben gesagt, dass Figuren meistens tanzende Frauen darstellen. In einigen Fällen stellten sie Tiere mit intensiven Farben dar. In den meisten Fällen bemalten Künstler die Tierfiguren mit Raubtieren wie Greifvögeln, Tigern und Wölfen, die behaupteten, ganz oben zu sitzen.
Insgesamt repräsentierte Art Deco Schönheit und Sinnlichkeit. Daher wurde von Art-déco-Figuren erwartet, dass sie viel mehr als nur alltägliche Funktionalität darstellen. Dennoch waren die Skulpturen immer noch sehr funktional. Beispielsweise wurden einige Figuren als Teil wichtigerer Gegenstände wie Möbel oder Lampen hergestellt. Im Großen und Ganzen entstanden die Figuren aus ästhetischen Gründen.
Die Figuren repräsentieren modernes Design und spiegeln das Selbstvertrauen wider, das Frauen nach dem Ersten Weltkrieg erworben hatten. Deshalb sind die Hauptthemen der Figuren Weiblichkeit und elegante Tänzerinnen. Ein gutes Beispiel ist die Tänzerin, eine Figur, die von Dumitru Haralamb Chiparus, einem Bildhauer aus Rumänien, geschaffen wurde. Es porträtiert hauptsächlich eine sinnliche Revue-Tänzerin, die sehr schön erscheint. Die aus Bronze gefertigte Skulptur verfügt über einen Marmorsockel. Zu den Details gehören Haar- und Armschmuck. Art Deco verwendete einen einzigartigen künstlerischen Stil, der versuchte, gesellschaftliche Veränderungen dieser Zeit darzustellen.
(Foto oben – Art Deco Chiparus Bronze Fan Dancer Figurine Statue 1920s)
Zum ersten Mal wurden Frauen zu wichtigen Akteuren als Industriearbeiterinnen. Seit Männer zum Militär eingezogen wurden, übernahmen Frauen ihre Positionen in den Fabriken. Auch der künstlerische Stil zeugt von den dramatischen Veränderungen zwischen den beiden Weltkriegen.
(Foto oben – Diana die Bogenschützin Dekofigur Bronze)
Abgesehen von Dumitru Haralamb Chiparus sind die meisten Schöpfer von Art-Deco-Figuren größtenteils unbekannt. Während die Skulpturen Berühmtheit erlangten, blieben ihre Schöpfer meist im Dunkeln.
Auch wenn viel über Möbel aus der Regency-Zeit gesagt wurde, ist es nicht genug. In einer Ära, die das viktorianische Zeitalter einleitete, ist es wichtig, die Fakten über die Regency-Möbel richtig zu verstehen. Wir sind sicher, dass Sie inzwischen viel über Stühle, Tische, Schränke und andere Möbelstücke aus dieser Zeit gelesen haben. Für diesen speziellen Artikel konzentrieren wir uns auf das Regency Breakfront Bücherregal .
Aber bevor wir das tun, werden wir über die Regency-Periode und ihren Einfluss auf das Möbeldesign im Allgemeinen sprechen. Auch wenn es nicht allgemein akzeptiert wird, wird angenommen, dass die Regency-Periode zwischen 1795 und 1837 gedauert hat. Mehrere Behörden sagen jedoch, dass die Regency-Periode zwischen 1810 und 1840 war. Worin sich alle einig sind, ist der Grund, warum es Regency-Periode genannt wird.
Während dieser Zeit wurde der Prinz von Wales Regent über England. Er regiert anstelle seines Vaters, der durch Wahnsinn handlungsunfähig geworden war. Nicht lange danach wurde der Prinz nach dem Tod seines Vaters als König George V. gekrönt.
Der Regent und später König George V. hatten einen bedeutenden Einfluss auf die Möbeldesigns der Regency-Periode, obwohl er kein Designer war. Thomas Sheraton ist der bekannteste der Designer, die damals eine wichtige Rolle spielten. Er war fast ein halbes Jahrhundert zuvor in den Vordergrund getreten. Ein weiterer erwähnenswerter Designer ist George Hepplewhite. Obwohl die Regency-Periode neun Jahre nach seinem Tod begann, hatte seine Arbeit einen bedeutenden Einfluss auf den Möbelstil.
Ein weiterer Hauptdesigner der Regency-Zeit ist Thomas Hope. Hopes bedeutender Beitrag war die Einführung von Elementen aus dem alten Ägypten und Griechenland. Bis dahin waren englische Möbeldesigner hauptsächlich von Elementen aus Rom beeinflusst worden. Hope beschreibt in seinem Buch von 1807: Household Furniture and Interior Decoration, wie man altgriechische und ägyptische Elemente verwendet.
Eine der Persönlichkeiten, die das Möbeldesign während der Regency-Zeit unbeabsichtigt beeinflussten, ist Admiral Nelson. Der Anführer eines siegreichen Marineregiments, Admiral Nelson, führte Dekorationen aus Ebenholz als Symbol der Trauer ein. Bald nach seinem Tod fertigten einige Designer Schnitzereien auf Stühlen an, um den drapierten Sarkophag des Admirals darzustellen. Es wird auch angenommen, dass er Marineelemente wie geschnitzte Seile, Delfine und Anker eingeführt hat.
Also, worauf sollte man bei einem Regency Breakfront Bücherregal achten ? Wie andere Möbel aus dieser Zeit hatten Bücherregale unterschiedliche Merkmale, einschließlich der folgenden: • Dichtes, dunkles Holz, das meistens massiv und manchmal furniert war. Obwohl die frühesten Möbelstücke aus Mahagoni gefertigt wurden, wurden später Palisander und Satinholz verwendet. • Die Breakfront-Bücherregale würden Intarsien aus Bronze und Messing haben. Meistens wurden die Intarsien auf Bücherregalen aus Ebenholz sowie Zebranoholz gefunden. Trotzdem haben einige Bücherregale vergoldete Metallhalterungen (Akzente).
Wo finden Sie ein nützliches Regency Breakfront-Bücherregal ? Sie sind an vielen Orten erhältlich, einschließlich großer Auktionen für antike Möbel.
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