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Alles, was Sie über liegende Buddha-Statuen wissen sollten

Liegende nepalesische Buddha-Statue – Bemalte buddhistische Innenskulptur

Buddha-Statuen werden oft in verschiedenen Posen dargestellt, je nachdem, welche Botschaft der Künstler vermitteln möchte. Es gibt also den sitzenden Buddha, den stehenden Buddha, den wandelnden Buddha und so weiter. Ein beliebter Stil ist jedoch der liegende Buddha, der den liegenden Buddha darstellt und seinen Kopf hält. Es zeigt den Buddha in seinem letzten Lebensmoment, bevor er sich Mahaparinirvana unterzieht. Die Figur in der Statue ist die des Buddha Shakyamuni in seiner Krankheit kurz vor dem Tod.

Woher Stammen Liegende Buddha-Statuen?

Die liegenden Buddha-Statuen wurden fast wie die anderen Buddha-Bilder geschaffen, und es wurden Symbole hergestellt. Es war während der Gandhara-Zeit, als griechische Elemente die Bildhauer von Buddha-Statuen stark beeinflussten. Buddhisten nennen den ikonischen Moment Mahaparinirvasana, in dem Buddha gewusst haben soll, dass er sterben würde. Deshalb bat er seine Anhänger, eine einzigartige Couch in einem Busch zu bauen, damit er sich leicht hinlegen konnte.

Natürlich hatte er bereits Erleuchtung erlangt, bevor er der Buddha wurde. Er war jedoch immer noch ein Mensch, der den physischen Körper verlassen musste, um ins Nirvana zu gehen. Es wird angenommen, dass der Buddha achtzig Jahre alt war, als er in Kushinagara, Indien, starb. Obwohl einige Statuen das tatsächliche Alter des Buddha darstellen, zeigen ihn andere viel jünger.

Wofür Werden Liegende Buddha-Statuen Verwendet?

Da Buddhas symbolischer Tod oder Mahaparinirvana einen Übergang in den Zustand nach Nirvana darstellt, sollte die Statue Buddhisten nicht traurig machen. Stattdessen sollten liegende Buddha-Statuen als ermutigend angesehen werden, dass alle Menschen erleuchtet oder erweckt werden können. Daher besteht die Hoffnung, dass alle eines Tages von dem Leiden befreit werden, das als Teil des Kreislaufs der Wiedergeburt kommt.

Obwohl er auf seinem Sterbebett lag, hat die liegende Buddha-Statue ein überraschend lächelndes Gesicht. Das wird verwendet, um die Ruhe als Mitgefühl darzustellen, die nach der Erleuchtung kommt. Daher lieben Buddhisten liegende Buddha-Statuen wegen ihrer Darstellung des einladenden Lächelns. Touristen sind gleichermaßen von den Figuren begeistert und kaufen sie aus ästhetischen Gründen.

Wo Können Sie Liegende Buddha-Statuen Kaufen?

Liegende Buddha-Statuen sind in Galerien auf der ganzen Welt erhältlich. Während Buddhisten sie aus spirituellen Gründen kaufen, kaufen Nicht-Buddhisten sie aus ästhetischen Gründen. Wenn Sie im Westen sind, können Sie authentische liegende Buddha-Statuen von Galerien bekommen, wo sie erhältlich sind. Da diese Statuen in keinem westlichen Land hergestellt werden, müssen Händler sie aus Burma, Laos, Thailand und Vietnam importieren.

So können Sie sicher sein, einige der seltensten und authentischsten Buddha-Statuen aus verschiedenen Ländern zu erhalten. Wenn überhaupt, sind die Buddha-Statuen einzigartig, da sie selten sind und von Hand hergestellt werden. Suchen Sie also nach einer Buddha-Statue zum Kaufen? Dann haben wir einige der besten Produkte in dieser Kategorie. Wir haben nicht nur die besten Buddha-Statuen überhaupt, sondern verkaufen sie auch zu erschwinglichen Preisen. Sie sollten uns also für die einzigartigen Buddha-Statuen überall kontaktieren.

Alles, was Sie über Queen-Anne-Möbel wissen sollten

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Paar Queen Anne Sofa Ledersessel

“Queen Anne” ist einer der bedeutendsten Möbelstile des 18. Jahrhunderts. Es ist nach Queen Anne benannt, die zwischen 1702 und 1714 über England, Irland und Schottland regierte. In dieser Zeit schlossen sich die drei Nationen zum Vereinigten Königreich zusammen. Der Stil der Möbel lehnte sich stark an den frühbarocken Stil an, den König Wilhelm III. Popularisiert hatte. Es betonte zunächst gewichtige Formen wie üppige Verzierungen, organische Akzente, abgerundete Konturen und organische Akzente.

Mit der Zeit nahmen die Möbeldesigner von Queen Anne einen eleganteren und vielseitigeren Möbelstil an. Sie strebten eine vollständige Abkehr vom Barock an und übernahmen leichte multifunktionale Stücke, die sich leicht bewegen ließen. Zu den damals hergestellten Möbelelementen gehören Stühle, Schreibtische, Tische und Schränke. Alle von ihnen hatten eine barocke Verzierung, die asiatische und klassische Designs zu einer bedeutenden Wirkung kombiniert. Ein gutes Beispiel ist ein S-förmiger Stuhl, der stark an asiatische und klassische Techniken angelehnt ist.

Aufgrund des Stilmixes wird der Queen-Anne-Stil oft als „Spätbarock“ bezeichnet. Zu dieser Zeit begannen Möbeldesigner, mehr Wert auf Komfort als auf Ästhetik zu legen. Die Stühle begannen mit Sitzen mit großzügigen Kissen und Rückenlehnen mit ergonomischer Rückenstütze. Bald verbreiteten sich die bequemen Stühle nach Europa und Nordamerika, mit der Niederlassung lokaler Möbelhersteller. Als sich Geschmäcker und Vorlieben änderten, wandten sich die Menschen dem georgischen Stil zu.

So Erkennen Sie Möbel Von Queen Anne

Wenn Sie nach Möbeln von Queen Anne für Ihr Zuhause oder Büro suchen, ist es wichtig zu wissen, wonach Sie suchen müssen. Im Folgenden sind einige der Merkmale aufgeführt, die diesen Möbelstil ausmachen:

1. Verzierung

8 Fuß italienischer Intarsien-Esstisch mit 8 Queen-Anne-Stühlen

Queen-Anne-Möbel haben dank der stromlinienförmigen Natur des Stils normalerweise spärliche Verzierungen. Sie können jedoch Stücke mit zarten Muschel- oder Fächermotiven und Oberflächenmustern finden, die durch “Japanen” entstanden sind. Das bezieht sich auf das Auftragen von Lack im traditionellen japanischen Stil und die erlaubte Dekoration durch Prägemuster.

2. Polsterfüße

10 englische Queen-Anne-Walnuss-Esszimmerstühle

Die meisten Queen-Anne-Möbel hatten die charakteristischen Polsterfüße mit weichen, abgerundeten Ecken, die in einer flachen Scheibe gipfelten, die auf dem Boden ruhte. Manchmal wurden die Polsterfüße als Klauenfüße darunter versteckt.

3. S-Kurve

Antiker geschnitzter Couchtisch Queen Anne

Es gibt mehrere Möbelstücke aus der Queen-Anne-Ära mit irgendeiner Form der S-Kurve. Die häufigste Form dieser Dekoration sind die Cabriole-Beine an Stühlen, Tischen und Schreibtischen. Sie finden ihn auch in Form von S-förmigen Stuhllehnen, die ergonomischer gestaltet sind.

4. Materialien

Eine der besten Möglichkeiten, um herauszufinden, ob Sie Queen-Anne-Möbel haben, besteht darin, sich die Materialien anzusehen, aus denen sie hergestellt wurden. Zu dieser Zeit bevorzugten Möbelhersteller Nussbaum, Kirsche, Ahorn und andere zerschnittene Hölzer. Es ist aber auch wahrscheinlich, dass Möbel aus diesen Hölzern aus früheren Epochen stammen könnten.

14-Fuß-viktorianischer Esstisch und 10 Queen-Anne-Stühle

Fazit

Sie können Queen-Anne-Möbel kaufen und für verschiedene Zwecke in Ihrem Zuhause oder am Arbeitsplatz verwenden. Sie sind online und im Geschäft bei ausgewählten Antiquitätenhändlern weltweit erhältlich. Wenn Sie nach einem guten Queen-Anne-Möbelstück suchen, haben wir mehrere auf Lager.

Chippendale Antiques – Die bestimmenden Merkmale

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Chippendale Vitrine – glasiertes antikes Mahagoni 1900

Möchten Sie ein Möbelstück kaufen, das von Thomas Chippendale entworfen und hergestellt wurde? Wenn ja, dann sind Sie bei uns an der richtigen Adresse, denn Chippendale’s Stücke sind einer der markantesten antiken Möbelstile und sind beliebt und können für sechsstellige Preise verkauft werden. Wir lassen Sie sich um das Geld kümmern, während wir Ihnen einige der Merkmale zeigen, die Chippendale-Antiquitäten ausmachen. Heute findet man Möbel von Chippendale oder moderne Nachahmungen nach seinen Zeichnungen und Mustern.

Im Folgenden sind einige der charakteristischen Merkmale von Chippendale-Antiquitäten aufgeführt:

1. Cabriole-Beine

Antiker viktorianischer Esstisch mit ausziehbaren Mahagoni-Cabriole-Beinen 1840

Chippendale-Antiquitäten lehnten sich stark an die vergangene Queen-Anne-Ära an, als die sorgfältig geschnitzten Cabriole-Beine populär wurden. Die meisten Stühle und Tische von Chippendale hätten ihre Beine nicht in Form der charakteristischen Serpentinenform. Cabriole-Beine sind jedoch je nach Fußende in drei einzigartigen Stilen erhältlich. Dazu gehören der Keulenfuß, die Löwenpfote und der Kugel- und Krallenfuß.

Chippendale stellte jedoch auch Möbel mit geraden, quadratischen Beinen, konischen Beinen mit vierseitigem Fuß und dem einfachen Quadrat her. Später in seinem Berufsleben begann Chippendale mit der Herstellung von Möbeln mit einem geraden Bein, das in einem Blockfuß endete. Dies wurde häufig zusammen mit dem Ogee-Bracket-Fuß auf Truhen verwendet. Normalerweise haben die Außenkanten des Teils die Form einer S-Kurve, ein Element aus der Queen-Anne-Ära.

2. Holzarten

Set 12 Chippendale Mahagoni Sessel Esszimmerstuhl Ball und Klauenfüße

Einer der Gründe, warum es Chippendale gelungen ist, kunstvolle handgeschnitzte Details auf seinen Möbelstücken zu schaffen, ist die Verfügbarkeit von hochwertigem Mahagoni. Zu dieser Zeit importierte Großbritannien Mahagoni aus Westindien und versorgte Möbelwerkstätten im ganzen Land. Möbelhersteller verwendeten kaum Furniere, sondern schnitzten lieber Details wie C-Schnörkel, Akanthusblätter, Kannelierungen, Rosetten und Jakobsmuscheln in das Holz. Auf der anderen Seite des Atlantiks entschieden sich amerikanische Möbelhersteller für Kirschholz, das reichlich vorhanden war. Einige Möbelhersteller verwendeten jedoch andere Hölzer, wo Mahagoni und Kirsche fehlten.

3. Arten Von Möbeln

10 englische Chippendale Mahagoni Esszimmerstühle Diners

Sowohl in England als auch in den Vereinigten Staaten wurden viele verschiedene Arten von Möbeln im Chippendale-Stil hergestellt. Ein gutes Beispiel sind Esstische, Spieltische, Standuhren, Schreibtische, Schminktische, Sekretäre, Kommoden und Kommoden. Größere Möbelstücke hatten oben oft Endstücke und Giebel.

Zu dieser Zeit produzierten Möbelhersteller Sessel mit komplizierten Splat-Schnitzereien auf der Rückseite. Obwohl im gleichen Stil hergestellt, unterscheiden sich Möbelstücke in Form und Stil, je nachdem, wo sie hergestellt wurden. Sie könnten also einige Stühle verwechseln und fälschlicherweise entscheiden, dass sie nicht zu diesem Stil gehören.

Fazit

Die oben diskutierten Merkmale beschreiben die Grundform und Gestalt von Chippendale-Antiquitäten. Zusammenfassend lässt sich sagen, dass Sie eine echte Chippendale-Antik haben, wenn Sie sich die Beine, Holzarten und Möbeltypen ansehen. Möglicherweise finden Sie jedoch keine Herstellerzeichen, da es nicht Chippendale’s Gewohnheit war, eines davon zu hinterlassen. Daher sollten Sie sich auf die geschnitzten Motive, Hardware im Fledermausdesign und handgefertigte Nägel konzentrieren. Sofas aus dieser Zeit hatten oft Kamelrücken, die sie von den anderen abgrenzten.

5 Tipps zur Auswahl von Gatekeeper-Statuen

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Paar lebensgroße rosa Marmorlöwen Lion Gatekeepers Medici Garden

Suchen Sie tolle Pförtnerfiguren für Ihren Garten? Es ist entscheidend, ein schönes Stück zu wählen, das einen Blickfang im Garten schafft und gleichzeitig Freude bereitet. Das bedeutet, auf die Eigenschaften der Statue zu achten, um sicherzustellen, dass Sie nur das Beste haben.

Hier sind fünf Tipps, die Ihnen bei der Auswahl der besten Pförtnerstatuen für Ihren Garten helfen:

1. Materialien

Pförtnerstatuen werden oft aus verschiedenen Materialien wie Ton, Metall, Beton, Gips, Kunststein und Stein hergestellt. Einige kombinieren sogar mehrere Materialien wie Bronze, Blei und Stein. In kälteren Klimazonen benötigen Sie Statuen aus haltbaren Materialien wie Kunststein. Darüber hinaus können Sie Skulpturen aus Bronze kaufen, um sie unter allen klimatischen Bedingungen zu gärtnern. Bronze widersteht den Verwüstungen der Elemente, indem es eine Schutzschicht bildet, die ihm hilft, länger zu halten.

Paar große bronzene Löwen – liegende Gatekeeper-Katzen

2. Stil

Statuen für den Garten gibt es in allen erdenklichen Formen, Größen und Stilen. Darauf sollten Sie achten und eine Figur auswählen, die zum Stil Ihres Hauses und Gartens passt. Wenn Sie einen bevorzugten Gartenstatuenstil haben, haben Sie allen Grund, ihn zu kaufen. Es könnte etwas sein, das im asiatischen Stil, abstrakt, Art Deco und geometrischem Finish geschaffen wurde. Das gilt auch für die reich verzierten menschlichen Figuren, klassischen Motive und majestätischen Tiere aus dem klassischen Stil. Zusammenfassend können Sie alles zwischen religiös, lässig, phantasievoll, realistisch, abstrakt und klassisch wählen.

3. Größe

Wie groß soll Ihre Gatekeeper-Statue sein? Die primäre Determinante sollte die Größe des Raums (Garten oder Einfahrt) sein, in dem Sie es installieren möchten. Wenn die Skulptur zu klein ist, kann sie sich als zu enttäuschend herausstellen. Andererseits können riesige Statuen auch überwältigend sein. Daher sollte bei der Auswahl von Gatekeeper-Statuen die Verhältnismäßigkeit an erster Stelle stehen. Auch wenn Sie einen Blickfang schaffen, stellen Sie sicher, dass er genau in Ihren Raum passt.

Paar riesige steinerne Kingsdale Hounds Deutsche Dogge Jagdhund Gartenstatuen

4. Statuenkombinationen

Anstatt nur eine Statue zu verwenden, könnten Sie mehrere davon aufstellen, um ein Gefühl von Rhythmus in Ihrem Garten zu erzeugen. In den meisten Fällen werden Gatekeeper-Statuen am besten paarweise installiert, um einen einzigartigen Reiz am Bordstein hinzuzufügen. Sie können auch Figurengruppen (in Ecken oder am Rand) verwenden, um Ihren Garten einzuschränken. Durch die Verwendung von Statuengruppen entsteht etwas Ähnliches wie bei Kunstwerken in einer Galerie.

Paar große Steinwächterhunde – Englischer Garten-Pförtner

5. Der Vorgesehene Standort

Wo möchten Sie die Statue in Ihrem Garten aufstellen? Sie können Ihre Standortwahl nutzen, um einen Mehrwert zu schaffen und Ihrem Raum Ausgewogenheit zu verleihen. Die Suche nach dem besten Standort kann nur unter Berücksichtigung der unmittelbaren Umgebung und der Abstimmung oder Ergänzung der Statue erfolgen. Achten Sie darauf, dass die Skulptur nicht durch vorhandene Hecken, Büsche, Pflanzen und Bäume blockiert wird. Schließlich besteht der Zweck der Installation von Gatekeeper-Statuen darin, sie zu präsentieren. Wenn Sie Blumen haben, platzieren Sie die Skulptur in der Nähe davon, um ein größeres Gefühl der Hervorhebung zu erzeugen.

Paar XL Bronze Chinesische Hunde – Foo Keiloon Fu Temple Statue China

Fazit

Jetzt haben Sie eine Vorstellung davon, was Sie tun können, um die richtige Gatekeeper-Statue auszuwählen. Material, Größe, Stil, Ort und die Möglichkeit, mehrere Figuren zu kombinieren, bestimmen, was Sie wählen sollten. Rufen Sie uns noch heute an und werfen Sie einen Blick auf unsere große Auswahl an Gatekeeper-Statuen.

Chinesische Chippendale 3 Möglichkeiten zum Dekorieren

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chinesische Chippendale-Vitrine

Der Chippendale -Möbelstil setzte sich im späten 18. Jahrhundert durch und wurde durch den Handwerksmeister Thomas Chippendale populär gemacht . Er war der erste Schreiner, der einen Möbelstil nach ihm benannte, eine völlige Abkehr von der Tradition, den amtierenden Monarchen zu benennen. Einer der Gründe für seinen Ruhm ist Chippendales Veröffentlichung von The Gentleman and Cabinet-Maker’s Director . Es war ein Band mit Zeichnungen unglaublicher Möbelentwürfe, von denen einige von Chippendale selbst angefertigt wurden. Mit Techniken aus dem Buch begannen Möbelhersteller in England, Europa und Amerika, viele Stücke zu replizieren.

Was Sind Die Kategorien Von Chippendale-Möbeldesigns?

chinesische Chippendale-Konsolentische

Viele der Möbelentwürfe des Direktors fallen in eine von drei Gruppen – Gothic, Rococo und Chinese Chippendale . Der gotische Stil lehnte sich stark an die vorangegangene Queen-Anne-Ära an und musste sich erst noch zu den moderneren Techniken entwickeln. Später entstand der Rokoko-Stil, der moderner wirkte als der gotische Stil. Schließlich entstand die chinesische Chippendale, die stark vom Orient beeinflusst war.

Der chinesische Chippendale -Stil findet sich vor allem auf Geschirrregalen oder Geschirrschränken wieder. Das gemeinsame Element unter diesen waren die durchbrochenen Sprossen mit pagodenartigen Giebeln. Möbelhersteller würden eine ähnliche Laubsägearbeit an den Kanten des Tee- oder Porzellantisches verwenden. Manchmal tauchten diese Giebel in Stuhlbeinen und Rückenlehnen auf. In den meisten Fällen wurden chinesische Chippendale-Möbel in Räumen mit Chinoiserie-Dekorationen verwendet. Oft waren die Möbel in diesem Stil orientalisch lackiert oder lackiert.

So Dekorieren Sie Mit Chinesischen Chippendale

Set Chippendale Esszimmerstühle

1. Verwenden Sie Tische Und Schränke Mit Laubsägearbeiten

Sie müssen nicht lange überlegen, wenn Sie Ihr Zuhause mit chinesischen Chippendale-Möbeln dekorieren . Der einfache Weg ist, andere Möbelstücke mit Tischen und Schränken mit Laubsägearbeiten zu kombinieren. In diesem Fall kann das Laubsägewerk als Mittelpunkt für Besucher dienen, die Ihr Haus betreten.

2. Stellen Sie Einen Laubsäge-Stuhl Im Chinesischen Stil Gegen Eine Konsole

Chippendale-Bücherregal aus Mahagoni

Wenn Sie einen Laubsäge-Stuhl im chinesischen Stil haben, können Sie ihn neben einen Konsolentisch stellen. Er kann als Ihr Ankleidestuhl fungieren, in dem Sie sitzen können, wenn Sie Make-up auftragen oder sich einfach nur anziehen. Dennoch können Sie andere Stühle im Raum aufstellen, damit Sie bei Bedarf darauf sitzen können.

3. Verwenden Sie Laubsägearbeitsstühle Im Chinesischen Stil Als Akzentstücke

Ein chinesisches Laubsägewerk kann allein verwendet schnell als guter Akzent wirken. Es ist viel besser, als eine Gruppe von Stühlen um einen Esstisch zu stellen. Wählen Sie also einen ausgezeichneten chinesischen Chippendale-Stuhl und stellen Sie ihn zwischen ein Bücherregal und einen Konsolentisch mit Blumenvasen.

Chippendale-Schreibtisch, antikes Mahagoni

Fazit

Sie müssen kein Innenarchitekt sein, um mit chinesischen Chippendale-Möbeln zu dekorieren. Wenn Sie ein wenig mehr darüber nachdenken, werden Sie sehr viele Möglichkeiten finden, diese Möbelstücke zu verwenden. Sie können auch einen einzigartigen Look schaffen, indem Sie die Möbel in kräftigen Farben neu streichen.

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Die Geschichte der Art-Deco-Leuchten

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Art Deco Bronzefigur Lampe Licht Statue 1920er Jahre

Art-déco-Beleuchtung zeichnet sich durch geometrische Muster und symmetrische Details aus, wobei unverwechselbare Oberflächen für einen einzigartigen, futuristischen Effekt verwendet werden. Beispiele sind Reihen von länglichen architektonischen Formen von gestuften Endstücken und Wolkenkratzer-Schattierungen. Traditionell wurden Art-Deco-Leuchten in städtischen und gewerblichen Gebäuden verwendet. Heute können Sie damit unabhängig vom Einrichtungsstil Akzente in Ihrem Zuhause setzen.

Art-Deco-Leuchten in den frühen 1900er Jahren

Die Wende zum 20. Jahrhundert war geprägt von der Popularität der hochdekorativ verzierten Revival-Beleuchtung. Diese Leuchten versuchten, Motive wie Akanthusblätter und Filigran aus dem Frankreich des 17. Jahrhunderts wiederzubeleben. Innerhalb weniger Jahre wurde von gasbetriebener auf elektrische Beleuchtung umgestellt. Es ist nicht ungewöhnlich, elektrische Lichtdesigns mit freiliegenden Glühbirnen zu finden. Damit konnten die Leute ihre elektrischen Leuchten zur Geltung bringen und gleichzeitig die Lichtleistung optimieren. In den folgenden Jahrzehnten gab es einen Wandel im Lichtdesign, der zu dem skurrilen, stromlinienförmigen Stil führte, der als Art-Deco-Beleuchtung bezeichnet wird.

Art-Deco-Beleuchtung – Biba-Lampe auf Obelisk

Wie kam es zum Wandel?

Der Beginn der Art-Deco-Bewegung ist die Pariser Internationale Ausstellung für moderne dekorative und industrielle Kunst von 1925. Auf der Messe stellten Designer die ersten stromlinienförmigen, geometrisch orientierten Leuchten aus. Nach der Ausstellung begann die eigentliche Art-Deco-Bewegung.

Kritische Elemente des Art-Deco-Stils

Art Deco Clarte Lamp von LeVerrier

Im Gegensatz zu ihren Vorgängern waren die Leuchtenhersteller der 1920er Jahre eher in der Lage, hochwertige Materialien zu verwenden und gleichzeitig filigrane Details umzusetzen. Fortschritte in der Technologie ermöglichten die Produktion hellerer Glühbirnen, was Schatten für diffuses natürliches Licht erforderlich machte. All diese Elemente wurden integraler Bestandteil der Entwicklung von Art-Deco-Leuchten. Hier sind einige der Merkmale, die diesen Dekorationsstil definiert haben:

Schirme im Slipper-Stil mit verzierten Details aus gegossenem, geätztem Glas
Facettierte Formen mit abgestuften Fächerdetails
Grasplatten zum Verdecken der Glühbirne
Großflächige Einbauten
Kaskadierende abgestufte Silhouetten

Kategorien von Art-Deco-Leuchten

High Art Deco : In dieser Kategorie befinden sich alle Gegenstände, die während der Pariser Expo 1925 ausgestellt wurden. Sie haben die folgenden gemeinsamen Merkmale:

Verwendet komplizierte Herstellungstechniken und hochwertige Materialien
Besondere botanische und geometrische Motive mit stromlinienförmigen Formen
Übergroße Designs für Theater, Hotels und andere gewerbliche Gebäude mit großen Foyers

Optimieren Sie Art Deco : In dieser Kategorie haben wir Art-Deco-Leuchten, die als stereotyp angesehen werden. Sie haben folgende Elemente gemeinsam:

Leuchten im Standardmaßstab für den Einsatz in durchschnittlichen Haushalten
Moderne aerodynamische Silhouetten mit klaren Linien und minimalen Details

Greco-Deco : Ein Stil, der Art-Deco-Elemente mit Motiven aus dem klassischen Revival-Stil kombiniert. Es lehnte sich stark an die Designelemente des klassischen Europas an.

Die Weltwirtschaftskrise und die Popularität des Art Deco

In den 1930er Jahren verbreitete sich der Art-Deco-Stil von Frankreich und Europa bis in die Vereinigten Staaten. Designer, die an der Pariser Convention teilgenommen hatten, trugen den Designstil nach Amerika und darüber hinaus. Zu Beginn des neuen Jahrzehnts verwandeln sich schlankere, einfachere Designs in Leuchten mit Glaskomponenten, aber wenig Details.

Wenn Sie nach Art-Deco-Leuchten suchen, die Sie kaufen können, haben wir einige der besten in unserem Geschäft. Herzlich willkommen!

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Ist ein antikes Buffet und ein Server-Sideboard das Gleiche?

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georgisches Sideboard – oder vielleicht Server

Jedes Esszimmer benötigt zwei Möbel – das Buffet- und das Server-Sideboard . Obwohl diese Artikel bei Käufern beliebt sind, werden sie oft miteinander verwechselt. Bevor Sie also ein antikes Sideboard und ein Server-Sideboard kaufen, müssen Sie den Unterschied zwischen ihnen kennen. Andernfalls haben Sie möglicherweise das falsche Möbelstück in Ihrem Zuhause. Auf geht’s!

Das Antik-Buffet

Regency-Sideboard – oder Buffet oder Server vielleicht?

Ein Buffet unterscheidet sich nicht sehr von einem Sideboard . Es ist ein längliches Möbelstück mit einer niedrigeren Platte und Stauraum. Im Vergleich zu einem Sideboard ist ein Buffet umfangreicher mit kürzeren Beinen und mehr riesigen Schränken. Aus diesem Grund sitzt das Möbelstück viel niedriger, näher am Boden.

Im wahrsten Sinne des Wortes können antike Buffet- und Server-Sideboards austauschbar verwendet werden, da sie dasselbe Möbelstück darstellen. Nur wenn man bedenkt, wo die Möbel platziert werden, kann sich der Name ändern. Jedes Sideboard, das in einem Esszimmer auftaucht, kann leicht als Buffet bezeichnet werden, da es zum Servieren von Speisen verwendet wird. Wenn es ins Wohnzimmer zurückkehrt, wird es Sideboard genannt .

Im Esszimmer eingesetzt, bieten Buffets zahlreiche Ablagemöglichkeiten. Sie können sie zum Aufbewahren von Bettwäsche, Serviertellern, Besteck und anderen Besteckteilen verwenden. Da sie niedrige Arbeitsplatten haben, eignen sie sich perfekt zum Servieren von Tee, Kaffee und Speisen.

Das Sideboard

Großes Regency-Sideboard mit Galerie

Ein Sideboard ist eine längliche Form von Aufbewahrungsschränken mit geringer Höhe. Es hat kurze Beine und Regalschränke, die so nah wie möglich bis zum Boden reichen. Viele Merkmale unterscheiden mehrere Schrankstile. Wenn Sie ein antikes Sideboard suchen, müssen Sie berücksichtigen, wann es hergestellt wurde. Das englische Sideboard stand traditionell auf Hüfthöhe an der Wand. Es würde im Wohnzimmer oder Esszimmer verwendet werden, je nachdem, für welchen Zweck man es gekauft hatte. Die Verwendung des Sideboards im Wohnzimmer kam erst viel später, als es für die Präsentation von dekorativen Ornamenten nützlich wurde.

Moderne Sideboards hingegen sind im Vergleich zu ihren antiken Pendants schnittiger mit längeren Beinen. Im Wohnzimmer fungiert das Sideboard als effektives Entertainment-Center. Es bietet oben ausreichend Platz, wo Sie einen Fernseher, ein Lautsprechersystem und andere elektronische Geräte platzieren können. Die Innenschränke können als Aufbewahrungsort für Unterhaltungsmaterialien wie CDs, DVDs usw. dienen. Ein Sideboard im Foyer dient als Konsolentisch zur Begrüßung der Gäste. Es eignet sich auch hervorragend zum Aufbewahren von Post, Dekorationsgegenständen, Schlüsseln und anderen Gegenständen.

Fazit

Egal, ob Sie ein antikes Buffet oder ein Sideboard kaufen möchten , die Funktion, die Sie ihm zuordnen, bestimmt seinen Namen. Machen Sie sich also nicht so viele Gedanken darüber, welchen Namen Sie dem Möbelstück geben sollen. Wenn Sie ein Sideboard oder ein antikes Buffet kaufen möchten, haben wir einige der besten Produkte der Welt. Sie sind herzlich eingeladen, einige der freundlichsten Preise zu genießen.

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Eine detaillierte Geschichte der Moreau-Bronzen

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Bronzestatue im Jugendstil von Moreau

Eine Diskussion über Moreau-Bronzen ist nicht vollständig, ohne die Männer zu erwähnen, die hinter einigen der bekanntesten Skulpturen der Welt stehen. Dem Patriarchen der Familie, Jean Baptiste Moreau , wird zugeschrieben, eine lange Kunsttradition begründet zu haben, die ein bleibendes Erbe in der Kunstwelt hinterlassen hat. Er wurde 1656 geboren und lebte bis 1733. Er arbeitete fast sein ganzes Leben lang als Maler und Bildhauer.

Dem älteren Moreau wird zugeschrieben, seine beiden Söhne Auguste Moreau und Mathurin Moreau in die Welt der Bildhauerei eingeführt zu haben. Jeder der Moreau-Söhne leistete seinen Beitrag zur Welt der Kunst, indem er unverwechselbare Kunstwerke schuf.

August Moreau

Moreau-Kinderfigur aus französischem Bronzeguss

Auguste debütierte im Salon, wo er bis 1913 regelmäßig ausstellte und sich auf Themen wie Allegorien, Pastoralen und Genreszenen konzentrierte. Er hatte einen realistischen, anmutigen Stil, der dem seines Vaters und seines Bruders etwas ähnelte. Es ist nicht ungewöhnlich, dass Auguste Moreau und Mathurin Moreau verwechselt werden, aber jeder der beiden hat sich mit unverwechselbaren Arbeiten einen Namen gemacht. Nachfolgend einige seiner bekannten Werke:

Eine 35 cm hohe Bronzestatue mit Mutter und Kind auf schwarzem Marmorsockel.
Eine Spelterfigur wurde zwischen dem späten 19. und dem 20. Jahrhundert hergestellt. Es verfügt über eine rustikale Jungfrau auf einem mit Blumen verzierten Baum und einen Amorbegleiter. Die Skulptur erscheint in kalten, getönten Farben, die ihr ein unverwechselbares Aussehen verleihen.
Eine lebensgroße Bronze eines jungen Mädchens mit Körben in den Händen, das auf einem Steinsockel steht. Es hat eine Höhe von 164 cm.
Eine französische Spelterlampe mit der Figur eines Mädchens in klassischen Gewändern mit hochgehaltener Fackel. Es steht bei 97 cm.
Schnitzelschnitzelfigur mit Wasserträgerin in der Hand und blumengeschmücktem Haar, auf einstückigem Sockel mit Tauben stehend.

Französische Bronzejunge-Vogelstatue Moreau-Gussfigur Cherub

Mathurin Moreau

Mathurin, der zweite der Moreau-Brüder, war der erste, der 1948 damit begann, seine Skulpturen im Salon auszustellen. Seine herausragenden Arbeiten brachten ihm 1897 eine Ehrenmedaille ein und er wurde Bürgermeister des 19. Arrondissement von Paris. In seinem Todesjahr 1912 wurde eine Pariser Straße nach ihm benannt, was seinen Namen in der Geschichte der großen Stadt festigte.

Victoria Par Fountain in Ashford Kent, hergestellt 1862.
Monument de Joigneau, das ihm 1897 die Ehrenmedaille des Salons einbrachte und dazu führte, dass er Bürgermeister wurde.
Lord Strathcona Fountain in Ottawa, Ontario, Kanada, der am 1. Juli 1909 enthüllt wurde.

Gemeinsam haben der Vater und die Moreau-Brüder mehrere Bronzeskulpturen, bei denen jede signiert, was sie produziert haben. Wenn Sie nach Moreau-Bronzen suchen, sollten Sie auf die Signatur achten, die auf der Skulptur erscheint. Es ist wahrscheinlich das von Jean Baptiste Morea, Auguste Moreau oder Mathurin Moreau. Wenn es keine Unterschrift von einer dieser Personen hat, dann ist es unwahrscheinlich, dass es sich um eine Moreau-Bronze handelt .

Fazit

Französische Cherub- und Mädchenstatue aus Bronze, signiert Moreau

In unserem Shop finden Sie Moreau-Bronzen zu einem erschwinglichen Preis. Wir haben eine Sammlung seltener Skulpturen dieser großen Familie französischer Künstler. Wir begrüßen Sie daher in unserem Antiquitätengeschäft.

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Männliche Aktstatuen aus Bronze – klassisch inspirierte nackte Form

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Klassischer Akt, männliche Statue aus Bronze, italienischer Guss

Suchen Sie einen bronzenen männlichen Akt ? Sie finden männliche Aktfiguren aus Bronze in verschiedenen Posen und von verschiedenen Künstlern. Sie zeigen die nackten Körper erwachsener Männer in einer rohen Zurschaustellung von Männlichkeit. Woher stammen die Männerakt-Bronzen? In diesem Artikel diskutieren wir eine kurze Geschichte der männlichen Nacktheit in der westlichen Kunst. Lesen Sie weiter für weitere Informationen!

Griechische Ursprünge Des Männlichen Akts

Klassische männliche Aktstatue Bronzeguss Nackter Mann

Die männliche Aktbronze wurde erstmals in der westlichen Kunst durch die Darstellung des athletischen Mannes durch die Griechen gezeigt, weil die griechische Kultur den menschlichen Körper durch religiöse Feste und sportliche Wettkämpfe feierte. Athleten, die oft nackt ausgezogen sind, zeigen bei diesen Wettkämpfen die „Verkörperung der Besten der Menschheit“. So verbanden die Griechen die nackte männliche Figur mit Ruhm, Triumph und moralischer Exzellenz. Diese Werte führten unweigerlich dazu, männliche Aktstatuen aus Bronze in der griechischen Bildhauerei zu definieren.

Es war nicht ungewöhnlich, Bilder von nackten männlichen Athleten in Heiligtümern mit athletisch aussehenden Statuen zu finden, die die Helden und Götter der griechischen Religion darstellten. Die Bildhauer versuchten, die ideale männliche geometrische Proportion, Jugendlichkeit und Gesundheit zu feiern, aber nicht die Körperlichkeit des nackten Individuums. So schufen sie männliche Akte aus Bronze, um den Geist und nicht die Sinne anzusprechen.

Römische Kunst Und Der Männliche Akt

Antike römische Künstler schufen bald Imitationen griechischer männlicher Akte, die sie für perfekt hielten. Anstatt jedoch griechische Athleten und Götter zu fördern, nutzten sie die Kunstform, um römische Interessen und Macht zu fördern. Anstatt nackte Kaiser darzustellen, was barbarischen Stammesangehörigen nicht gefallen hätte, modellierten sie große, imposante Soldaten. Im Gegensatz zu den Griechen, die die Nacktheit idealisiert hatten, verwendeten die Römer militärische und politische Bilder, die Ernsthaftigkeit und Realismus ausstrahlten.

Mittelalterliche/Renaissance-Kunst Und Der Männliche Akt

Klassische Bronzestatue eines römischen Athleten – Grand Tour Nude Figur

Im Mittelalter repräsentierte der männliche Akt den biblischen Ursprung der Sünde. Es symbolisierte auch die heidnische Religion, die die griechische und römische Antike geprägt hatte. Damals schämten sich die Menschen für Nacktheit, anstatt sie zu feiern. So zeigten sie statt der athletischen Männerfiguren der Antike schlanke, leichte Körper, die den Naturalismus betonen.

Nacktheit in der Kunst setzte sich bis ins Europa der Renaissance fort, was darauf zurückzuführen war, dass Archäologen antike Artefakte und Statuen entdeckten. Das brachte den straffen, naturalistischen nackten Mann des antiken Griechenlands und Roms zurück. Der Renaissance-Naturalismus erlebte jedoch einen enormen Wandel im Denken mit der Betonung des „Menschseins“ anstelle des Lebens auf der Erde als Prolog des Jenseits. So hat die humanistische Bewegung eine völlig neue Wertschätzung des menschlichen Körpers hervorgebracht.

Der Männliche Akt In Der Kunst Des Barock, Des Rokoko Und Des Klassizismus

Die barocke Nacktheit beschränkte sich weitgehend auf die mythologischen, figurativen Werke der Vergangenheit. Ein gutes Beispiel ist die prächtige nackte Statue von Voltaire. Im Rokoko des 18. Jahrhunderts zeigten Aktskulpturen klassische Formen aus dem antiken Griechenland und Rom. Meistens verwendeten Künstler traditionelle Posen, wenn sie diese nackten männlichen Figuren darstellten. Der neoklassizistische Stil setzte sich bis ins 19. Jahrhundert fort und führte zu einem intimeren maskulinen Stil. Männliche Nacktheit ist immer noch einer der berühmtesten Kunststile in der Kunst des 20. Jahrhunderts.

Bronzene nackte David-Statue – klassische Figur

Fazit

Männliche Aktkunst aus Bronze ist auch heute noch beliebt, da Sammler sowohl nach antiken als auch nach kürzlich produzierten Stücken suchen. Wir haben eine umfassende Sammlung dieser Artikel in unserem Shop, um Ihnen bei der Auswahl eines Artikels zu helfen, der Ihrem Stand entspricht. Herzlich willkommen!

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Eine kurze Geschichte der georgischen Säulenschreibtische

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georgianischer Säulenschreibtisch aus Walnussholz

Georgianische Säulenschreibtische überdauerten das 18. und 19. Jahrhundert und wandelten sich von einem vereinfachten Stil zu einem verschönerten. Während der zwei Jahrhunderte arbeiteten mehrere Könige von England und verschiedene Designer daran, einige der besten Möbel der Ära herzustellen. In diesem Artikel werden wir einige der Personen besprechen, die den georgianischen Möbelstil stark beeinflusst haben, um ihn zu dem zu machen, was wir heute kennen. Lass uns anfangen!

1. Das Italienische Design Von William Kent

Während der Regierungszeit von König George I. war William Kent der prominenteste Möbeldesigner. Seine Haupteinflüsse waren der palladianische und der italienische Barockstil. Er hat auch viel von Inigo Jones und anderen Designern geliehen, um einen einzigartigen, reichen, reich verzierten Stil zu entwickeln. So zeichneten sich während der frühen georgianischen Zeit hergestellte Sockeltische durch starke Verzierungen und einen satten Farbton aus. Damals hatten die Hannoveraner nach dem Tod von Queen Anne den englischen Thron bestiegen, wodurch das kentische Design zum vorherrschenden Stil wurde.

Georgianischer Schreibtisch mit Knieloch

2. Rokoko-Stil

Als Georg II. König wurde, suchten Designer nach Inspiration in Frankreich und übernahmen den verspielteren Rokoko-Stil. Es ist der strengen Herrschaft Ludwigs XIV. entsprungen und landete jenseits des Ärmelkanals in den Werkstätten der Möbeldesigner. Es wird durch die Verwendung von zerbrochenen Muschel- und Steinmotiven definiert, um eine einzigartige Verschönerung von Möbelstücken zu schaffen. Die in dieser Zeit hergestellten georgianischen Säulenschreibtische waren sehr symmetrisch und stark verziert. Sie hatten Rollwerk, Bombenkommoden, Serpentinenlinien, Cabriole-Beine und wunderschöne Ormolu-Skulpturen.

3. Chippendale-Stil

Georgian Bureau Desk

Zwischen den 1750er und 1760er Jahren wurde der Chippendale-Stil zur dominierenden Kraft bei der Gestaltung georgianischer Möbel. 1754 veröffentlichte Thomas Chippendale das berühmte „The Gentleman and Cabinet Maker’s Directory“, in dem die Designstile Gothic, Extravagant und Chinoiserie beschrieben wurden. Während der kentische Stil schwerfällig war, wurden im Chippendale-Stil einige Verzierungen und Dekorationen abgeschwächt. Es ist minimalistisch, aber mit einer breiten Anziehungskraft auf die Kaufleute als Eliteklassen der Gesellschaft. Infolgedessen waren die in diesem Stil hergestellten Säulenschreibtische etwas abgeschwächt.

4. Neoklassischer Stil

Das Möbeldesign der 1770er Jahre ließ sich eher von der Antike als von zeitgenössischen Stilen wie Rokoko und Chippendale inspirieren. Als Teil der Dekorationen begannen Sockeltische mit bärtigen Rändern, griechischen Schlüsseln, Eiern, Pfeilen und vitruvianischen Wellen. Die einflussreichsten Designer waren Robert Adam, Josiah Wedgewood, George Hepplewhite und Thomas Sheraton.

georgianischer Säulenschreibtisch aus Mahagoni

5. Regency-Stil

Der Regency-Stil ist aufgrund seiner Hingabe an die klassische Antike eng mit der neoklassischen Bewegung verwandt. Es war der vorherrschende Stil während der Regierungszeit von George IV über Großbritannien, bis er 1830 starb. Im Vergleich zu den neoklassizistischen Säulenschreibtischen waren ihre Regency-Pendants schwerer, solider, aber mit weniger Verzierungen. Einige der üblichen Motive, die bei der Dekoration dieser Stücke verwendet wurden, waren Käfer, Sphinxe und Schlangen, die aus dem alten Ägypten entlehnt wurden. Auch die Möbelstücke wurden „japaniert“, wodurch ein klarer Kontrast zwischen Gold und Schwarz entsteht. Sie hatten jedoch einige Elemente aus Fernost entlehnt.